No Country For Old Men (Por David)

El año de los villanos (Oscar para Daniel Day Lewis y para Bardem) en el juego de Hollywood 2008.
Comenzaría este comentario por... a Darth Vader le sale un competidor mas estilisado aún. Una especie de road-man-movie, asesino de carretera y destructor de hogares de "gente inocente".
¿Es realmente un monstruo despiadado o un justiciero?, analizando la probable reputación visible y no de los personajes cohenianos me animaría a trazar una linea de atención hacia el público poco pensante que cree en todo lo que percibe su retina.
En un film de los hermanos Cohen no solo hay que mirar con sarcasmo y reír al paleto/a personaje de turno, debemos ir mas allá como este Anton Chigurh que cree en sus principios ácratas, desmedidos, psicópatas...va por ahí acribillando a quien se lo merece?.
Hagamos un ejercicio de imaginación perversa. Acaso el señor de la gasolinera no podría ser un pederasta del desierto, el policía un corrupto, y la esposa/complice una ladrona, por cierto murió realmente?. Nos rasgamos las vestiduras cuando a viva vos propugnamos la pena de muerte por ciertos delitos inclasificables...sexuales, paranoicos, terrorismos de nueva orden, pero cuanto trash hay en la gatera de nuestro subconsciente. No reventaríamos a palos a un violador?, denunciarías a Bin Laden?.
No conozco a nadie que no se sintiera reconfortado por la balazera bajo el sol que propinaba Clint Estwood en sus duelos en ese mismo desierto de arena y sangre que tanta satisfacción morbosa le dio al cine americano, y digo esto porque es una escena representativa de las hazañas del spagueti western que protagoniza Bardem junto a Woody Harrelson un cazareconpensas a lo far west, afortunadamente para nuestro no-héroe, desenfundó primero, o es que la inteligencia ya no nos atrae?. A los que aplaudimos el carisma de los malos malísimos y proclamamos por personajes como Anibal Lecter, si.
Brillante también el personaje del cobarde sherif por parte de Tommy Lee Jones, que aquí aparece sosegado y tranquilo, impertérrito ante lo que sucede, tremendamente sorprendente para la vena interpretativa de uno de los actores con mas nervio del panorama internacional.
En lo que respecta a la actuación de Javier Bardem: cínicamente deliciosa, una mirada para cada ejecución. Mata con ojos de melancolía, ojos de pena, ojos de satisfacción, cual justiciero de la mano divina sacada de las lucidas cabezas cancerberas de los Cohen.
Las películas de estos directores- guionistas lucen por la veracidad con que nos cuentan historias y la manera de introducirnos en las profundidades de todos los géneros cinematográficos sean o no crepusculares y sin desmerecer ninguno, amoldándolos a su obra y semejanza, ironizando lo imposible, burlándose a carcajada limpia del americano medio, todas sus obras son maestras para siempre, esta aunque una adaptación literaria sigue teniendo el encanto irresistible de una película de los Cohen.

La Escafandra y la Mariposa (Por David)

Los parecidos razonables a este film los encontramos por ejemplificar en las soberbias interpretaciones de Javier Bardem en Mar Adentro, Robert De Niro en Despertares o Daniel Day Lewis en Mi Pie Izquierdo, actores de personalidad y corte similar.
En esta producción la sorpresa definitiva y diferenciación con sus antecesoras radica en las innumerables tomas de cámara en formato plano-secuencias, encuadre subjetivo y realista desde el ojo del actor, recurso que contribuye a desmantelar guiones, razonamientos y juicios previos consiguiendo que nos situemos directamente en el punto de vista del protagonista principal.
Un antecedente comparable de esta técnica o método de situar la lente de la cámara al comienzo irritante la encontraremos en la aún mas tremenda El Pabellón de Los Oficiales de François Dupeyron, ambientada en las mismísimas heridas de guerra que desfiguran el rostro (clave del drama) de un teniente frances.
No obstante Le Escaphandre + Le Papillon es una película admirablemente lucida.
El desdramatismo mostrado gracias a esos tintes cínicos y ensoñaciones dan juego y convierten al film en una maravilla por momentos alucinógena y que reabre nuevamente la eterna polémica eutanásica de matar o morir.
La realidad que provoca el film contrasta en ocasiones sarcásticamente con ese afán de superación o las posibilidades de éxito de todo ser humano y transmite cierta "envidia" hacia sectores desfavorecidos carentes de cobertura social o de un sitio donde recrearse en fantasías individuales, ver tantas atenciones, tantos privilegios, y es que hasta la imaginación desbordante tiene un precio, o que sería de nuestro papillon sin la fidelidad de sus camaradas.
Me sorprendió de esta película aclamada en los festivales su visión positiva de la vida y un innegable deseo de supervivencia mental a la que el director endulzó para goce licérgico si procede de bellas jóvenes sensuales, anhelos y recuerdos familiares, amistades y amores eternos y románticos.
El ojo, la vos y el pensamiento en off de Mathieu Almaric nos introduce en las profundidades de la mente de un hombre al que sólo le queda la esperanza del delirio y la fábula y el resultado de tanto vértigo nos arroja una visión muy diferente desde la perspectiva del personaje.
La acaramelada y erótica presencia femenina encabezada por Emmanuelle Seigner y la corta pero portentosa actuación del gran Max Von Sydow completan el excelente cast.

Julian Schnabel como ya ocurriera en la estupenda Reinaldo Arenas y Basquiat bordea los limites ficticios y exaservados de sus personajes que son reales aunque a veces no lo parezcan, ellos son héroes del pasado siglo, a veces incómodos e inolvidables para la retina del tiempo.

La Escafandra y la Mariposa (Por Sonia)

Esta película es absolutamente sorprendente desde el inicio hasta el final, consigue que desde el primer plano nos adentremos junto con el protagonista en una escafranda hundida en el más hondo y turbio de un río, del que no podemos salir.
La historia empieza sumiéndolos en una profunda ansiedad, desesperación, y claustrofobia propia de la parálisis completa que está viviendo el protagonista....y casi sin darnos cuenta, de manera muy sutil y gracias al juego de cámaras, al guión, la fotografía y la voz en off del prota, nosotros, los espectadores junto al protagonista nos vamos transformado muy despacio en mariposas que salen del capullo para exterder la alas y volar. Es increíble que una historia aparentemente tan sencilla pueda ser tan complicada y es increible que lo que podía ser contado como algo ajeno y esperpéntico haya sido contado de una manera tan brillante que pueda incluso cambiar tu modo de ver la vida.
No se pierdan el privilegio de poder disfrutarla.

Una Casa de Locos (Por sonia)

Este film es una comedia, pero una comedia que no sigue los cánones a los que nos tiene acostumbrada la comedia americana, es una peli francesa que no pierde el ritmo y los argumentos europeos. Es una historia sencilla de un joven francés que decide dejarlo todo para irse una temporada a estudiar fuera de su país con el fin de aprender idiomas, lo que le acaba ocurriendo es que termina aprendiendo más de la vida, de la diversión, de las relaciones, del amor, del sexo y de la tolerancia y la convivencia .....

Pero lo realmente atractivo de la historia es su encuadre en la ciudad y los rincones de Barcelona. El director no se encarga de rodar y de enseñarnos los lugares más atractivos de la cuidad, sino que pasea la cámara mostrando los rincones reales, los espacios cotidianos y las imágenes mas corrientes de una ciudad atrapante.

He tenido la suerte de, como el protagonista, pasar una temporada larga viviendo en Barcelona y al ver la película, he regresado de una manera confortable y sorprendida a los años allí vividos, sorprendida porque las anécdotas, las situaciones cotidianas, los rincones donde ocurren las cosas, las casas, los pisos, los personajes, los diálogos, y los acontecimientos imprevisibles que te puede regalar la cuidad, son absolutamente verosímiles ...es casi como si el guión hubiera sido sacado de mi propia vida (con distancias desde luego).....lo que me hace pensar, una vez más que no somos nosotros los que vivimos, es Barcelona la que vive en nosotros.

Los falsificadores (Por Sonia)

Oscar a la mejor película de habla no inglesa muy bien merecido.... una película sobre el holocausto nazi desde un punto de vista inédito. Además de las miles de reflexiones que se pueden sacar en relación al hecho histórico escalofriante de la barbarie nazi, en los falsificadores yo me quedo con otros aspectos que el director nos ha regalado como la lucha por la supervivencia, la innegable capacidad del ser humano de adaptarse y sobreponerse, la inestimable fortuna de la amistad, la lealtad y el compañerismo....mostrado sin lágrimas, sin florituras, sin heroísmos, sin aditivos melodramáticos y sin intenciones de grandilocuencia. Los falsificadores no es una película más del nazismo, es una película sobre hombres inteligentes y supervivientes.

Una Casa de Locos (Por David)

Un subgénero dentro de otro subgénero, a la comedia estudiantil made in usa, tópica y a veces divertida le salió otra con raíces y sentimientos europeos, el subgénero comedia-erasmus-europea.
Cedric Klapish se prodiga en esta sensible de ritmo trepidante para nada vertiginosa comedia de enredos juveniles, donde los detalles hablan por si solos de lo poco improvisado del film y del complejo sistema de convivencia, por así decirlo de ese salvese quien pueda piso multicultural y multiespacios-okupados de la cosmopolita ciudad de Barcelona.
Lo ideal para engancharse a lo chirle del film es haber experimentado al menos en parte lo que sucede en la pantalla de lo contrario resultará fácil caer en la sospecha del exagere cómico y que lo que percibimos entretenido sea un mero decorado y pantomima del pasatiempo, adn de la comedia.
Ahora bien, si además de divertirnos, identificamos cada sitio, cada rincón, cada momento-ambiente universitario...el plato está servido.
Quien les escribe, amen de conocer una pisca de la ciudad condal tubo el beneficio como espectador de cine de la información privilegiada de una de sus habitantas otrora estudianta universitaria y socióloga, que conoció y reconoció ese sistema de vida libertino, nocturno, sociable, amable a ratos, descarado...y que con entusiasmo de quién añora arte y cultura por metro cuadrado colaboró en el reflexionar conjunto y el observar con deteniemiento todos los matices vistos y no, de esa aventura de ingredientes en forma de UNA CASA DE LOCOS.

Michael Clayton (Por David)

Filme noir de tonalidad oscura y oprensiva donde sus personajes parecen rondar un precipicio apunto de caer, en especial el sosaina de George Clooney que nunca convence, demasiado blando, demasiado simulado, es sin duda el Kevin Costner de los 2000, gran productor, a veces gran director...pero pésimo actor y por esto la película no alcanza a convencer pese a las nominaciones, el único interprete que da la talla es el siempre correcto ex Full Monty Tom Wilkinson, un monstruo que desde la vos en off ya se perfila como lo mejorcito de esta floja película, basta compararla a cualquiera de las adaptaciones buenas o regulares de John Grisham para comprobarlo, incluso si lo hacemos con The Firm para mi la mejor ficción moderna de abogados/as honestamente corruptos/as.
Las nominaciones a tantísimos premios de importancia se me antoja exagerada, pero si analizamos la producción que se esconde detrás y delante de las cámaras comprenderemos el "poder de convicción con indudable libertad y apoyo financiero que posee": Warner Bros., George Clooney, Steven Soderbergh, Sydney Pollack, James Newton Howard, Anthony Minghella y por supuesto el realizador Tony Gilroy.
El Oscar a Tilda Twinton es discutible. Papel escueto, pero agradecido y bién defendido, demuestra con tremenda convicción una forma de interpretar contenida mezcla de personajes, actitudes y vestuarios tipo: Margareth Tatcher con Anna Wintour del Vogue?.

En el recuerdo nos quedará para siempre la penúltima aparición en pantalla del gran Sydney Pollack. (la última para mi).

Clándestinos: Fronteras en el Mar (Por David)

Llevaba tiempo dándole a la manibela mental, pensando y repensando que narices poner ante este largometraje canario que me conmovió no tan solo cinematográficamante que valor tiene y muy alto, sino porque es una película-docudrama-realista-dogma95?. Nada mas sentarme en la butaca nunca tan incómoda se me olvidó cualquier atisbo o reminiscencia alguna de técnica cinéfaga o narrativa audiovisual que se precie. Es que cuando nos toca tan de cerca, parece que nos alarmamos mas si cabe, y nos hundimos haciendo menos por mejorar la situación, no será por el color de piel quiero imaginar, no será por el idioma quiero pensar, no será por la cultura distinta? quiero soñar, pero mientras deseo que pase lo que no pasa, espero reacciones de la gente y me incluyo, acaso podemos con nuestro famoso granito aportar algo, pues no, solo utilizar esa moneda de cambio que es el sentido común, al parecer ya tenemos bastante con cuidar de las y los nuestros, el trabajo exclavizante, la hipoteca torturadora, la gasofa que no frena, los alimentos que no bajan. La vida que vivimos no nos da tiempo para la protesta organizada, y eso contando que la diosa fortuna de la salud asome de cara.
Hasta hace poco no malgastaba mi voto, después allegados y allegadas me convencieron de lo contrario y voté por la continuidad, por lo social? jajaja. Los europeistas y aquí no cambio de género a pesar de la Merkel, quieren "endurecer" la venida (invasión) de inmigrantes y nuestro presi y que conste que me persuadieron para votarle apoya todas y cada una de las medidas racistas-xenófobas-asimilasionistas e ilegales que pronuncian esos grandes señores de la mostaza provenientes de no se que parlamento. (poderosos enano-parlamentarios-Berluscoño-Sarcoshi y otros).
Que o quién es Europa?. Capáz de pronunciar barbaridades tales como: Europa quiere inmigrantes solo para el mercado laboral, como si fueran memorias ram que solo sirven para agilizar el ordenata, PARA CUANDO TENDREMOS EN CUENTA EL FACTOR HUMANITARIO?.
Cuándo sus-nuestro políticos y medios de comunicación generalistas trataran como personas y no como delincuentes a cierta clase de inmigración. (Si las y los Alemanes son extranjeros, las y los Marroquíes y Colombianos por que son sudacas o moros).????
Propongo una travesía por la mar desde Senegal a Canarias para deportistas espabilados, verán como seguro ponen una lancha salvavidas con suficiente agua y bananas para prevenir calambres cada 500 metros y no se ahoga ni Meca.
Bromas aparte, el largometraje que presencié, casi en solitario porque no había prácticamante nadie, si bien es cierto que era en un centro juvenil, sábado por la tarde y que la temática era dura, salí reconfortado, porque al menos hay grupúsculos que no le dan la espalda a la realidad mas doliente, la muerte, absurda muerte que espero no arruine las vacaciones a nadie.
Si hiciésemos una competencia de dramas humanos, no se si existe otro mas intolerable que este. Aún a sabiendas que te van a reportar en poco tiempo, la desesperación y el hambre te arrastra a la decisión de embarcarte en un cuasisuicidio, para luego ser maltratado/a, ilegalizado/a, discriminado/a, apaleado si alguno/a pudiera, repudiado/a, olvidado/a y trasladado/a, quienes sobrevivan podrán contar a sus hijos e hijas, si les da tiempo antes de volver a intentarlo que han volado gratis por la bella Europa, y que solo han tenido que gastarse paradójicamente todos sus ahorros y esfuerzos en una pequeña barcaza que también es ilegal. (senegal-ilegal, poético y desesperanzador no?).
Enorme el documental de las los realizadores canarios Iván López, Eva Domínguez e Iván Burdett, recopilando las noticias y los puntos de vista del politicaje de turno que casualmente siguen siendo los mismos que querían solucionar el "problema de la inmigración" CON MANO DURA Y LANCHAS TORPEDERAS, y si señoras y señores así se ganan elecciones. Esto le gusta a la gente que tiene miedo a mezclarse a "perder" su cultura y empleo, a competir, a aprender, A VIVIR CON OTRAS GENTES, como tuvieron que hacerlo hace muy pocos años pero desde la acera de enfrente de la inmigración.

Imagina que no hay países no es difícil de hacer nadie por quien matar o morir
Imagina que no hay posesiones quisiera saber si puedes sin necesidad de gula o hambre una hermandad de hombres y mujeres imagínate a toda la gente compartiendo el mundo.
Puedes decir que soy un soñador pero no soy el único espero que algún día te unas a nosotros y el mundo vivirá como uno.
Enigmático e indescifrable mensaje de John Lennon escrito en 1971.

El Incidente (Por David)

En este blog reflexionamos sobre la realidad especialmente social, porque consideramos que el cine es la verdad contada en formato ficción, así mismo, debemos por obligación personal fomentar la fantasía como complemento que nos aporta la capacidad de soñar.
M Night Shyamalan, ese ilusionista genial que con todas sus fuerzas nos quiere devolver al mundo de los cuentos, juega con nuestras mentes como juega con sus films, pero roza el ridículo según sus detractores, la genialidad según sus fans (me incluyo).
El sexto sentido abrió una ventana hacia otra dimensión, que siempre estuvo allí y desde esa ventana mental y psicológica-filosófica-religiosa, salieron todas las pesadillas humanas mil veces repetidas: (fantasmas que exorcizar, marcianos invasores, héroes comiqueros, monstruos olvidados, hadas encantadas...)
Este atípico director y guionista utiliza claves y Maguffin personales y se reitera en las referencias hacia los maestros (idefectiblemente Alfred Hichcok).
Para muchos es creativo e innovador para otros copión y cursi. ¿Se puede redefinir y reinventar a Hitchcok, la respuesta es si, todo en el cine es posible. la diferencia está en el resultado del intento.

La música de James Newton Howard: clave en su filmografía, sube la adrenalina y dispara la tensión, una seña de identidad marca de la casa en las películas de Night, música que cautiva y emociona a la vez que aterra y descontrola nuestro estado nervioso.

La atmósfera impecable creada desde la puesta en escena junto a la música y las sorprendentes e inesperadas buenas actuaciones, (reune actores y actrices no especialistas en el género), conforman una perfecta orquestación de secuencias que se prolongan entre primeros planos y silencios, acompañado por un leve toque de fino humor negro y un macabro giro en los argumentos.

El director indio juega con nuestras pesadillas mas elementales, con estas premisas y bajo un clima desasogante queda garantizado el miedo, no se le puede reprochar su apuesta por ser fiel a sus instintos, ni por combinar estilos efectistas y pseudorealistas.
Su cultura de raíces profundamente espirituales se insertan y se complementan en la trama con la modernidad de su ciudad predilecta, Philadelphia, creando desconcierto entre las masas de espectadores/as. e aquí el riesgo...
En su última producción. El Incidente, vuelve a sorprender, aunque mas lineal (clásico) que arriesgado, pero conservando la fuerza del asombro y el susto oportuno, no sabemos si esto le pasará factura negativamente en taquilla, pero no nos interesa, no es nuestra guerra, desde aquí juzgamos la calidad no el negocio, lo artístico no tiene que ver con lo económico, por eso queremos muchos shyamalanes, que no traicionen y que no se traicionen en sus convicciones.

Borrachera de Poder (Por David)

El cine de Chabrol en estado puro, esta vez intercambiando culpabilidades, la habitual critica a la burguesía francesa se traslada a la política del poder o el poder de la política, una jueza indomable protagonizada por la siempre gélida Isabelle Hupert provablemente la mejor actriz de Europa, y fetiche del maestro Claude Chabrol, Chabrol uno de los fundadores de la Nouvelle Vague (movimiento artístico-intelectual, que rompió con el molde americano del cine definido por la industria de los productores-magnates, con la Nouvelle Vague el cine europeo se convierte en cine de autor y sienta el precedente definitivo que ubica y separa el cine de calidad del de cantidad).

En esta película la dupla Chabrol - Huppert juzgan con cinismo a los titiritemos de la justicia francesa, políticos, banqueros, asesores, abogados, y demás "untadores de la verdad" pero la gran Isabelle Hupert no se inmuta, ya puede caerle un piano en la cabeza o romper su relación de pareja en mil pedazos que seguirá ejecutando su misión de justiciera implacable, a ella solo le va su trabajo, vive por y para el y sabe que si fracasa habrá otra oportunidad en ese circulo vicioso que es el poder y todas sus formas de manipulación.

Gente de Roma (Por Sonia)

Gente de Roma no es ni más ni menos que eso, una peli sobre gente de Roma. Parece sencillo, pero no lo es tanto, se trata de un film lleno de pequeñas, muy pequeñas historias de perfiles de gente cotidiana de una ciudad tan particular como es Roma.

La historias son inconexas, sin principios ni final, es como si el director hubiera instalado la cámara en cualquier momento de un día cualquiera de la ciudad y se hubiera dedicado a grabar lo que pasa sin pretender contar nada más ni nada menos que lo que le pasa a la gente.
La peli, al contrario de lo que pueda parecer no es nada aburrida, el ritmo te atrapa desde el inicio y te transmite la alegría y el ritmo de la ciudad italiana.

Es entretenida de ver y deja un sabor agradable en el paladar y la conciencia, es el sabor agradable de la diversidad, la mezcla, la diferencia, la riqueza de dejar entrar en nuestras vidas lo distinto, lo novedoso, lo extranjero....

Gente de Roma (Por David)

Si en Amarcord comentabamos las aptitudes de Fellini como uno de los retratistas de Roma y de sus habitantes por antonomasia, en Gente de Roma observamos la versión actual, coetánea, cosmopolita de una ciudad amorfa repartida entre derechistas, calcio, monumentos y ruinas, calles, tribus suburbanas, rojos, semihiepies, racistas, abuelos, abuelas, izquierdos, fachistas...románticas y románticos, romanos y romanas, inmigrantes extracomunitarios...
El veterano maestro Ettore Scola se pronuncia en formato digital, fiel a los tiempos modernos que corren y carente de presupuesto, su mirada indiferente de la vechia Roma y de distintas vidas inconexas reflejadas en el film por momentos cae en la obviedad, matiza la obviedad, es lineal a ratos, cronológica de vez en cuando y no termina de convencer.
En mente estará el sello de identidad italiana que baña a los grandes films de los años 60 y 70, el neorrealismo italiano "la porca miseria" pero el autor no se aferra a esa idea lo que delata cierta falta de frescura (y no es contradecir), tampoco se decide entre el formato documental, la picaresca a la italiana, o el drama de la inmigración, opta por mezclarlo todo suave pero al dente.
La película tiene dos escenas especiales (el pseudoperiodista en el autobús y padre e hijo en el restaurante) que recuperan el encanto de los mejores viejos films italianos, pero rápidamente se diluye al tratar de conectar erráticamente con otras secuencias de la vida cotidiana que de alguna manera pasan desapercibidas por lo anodinas y faltas de gracia.
Igualmente se agradece que el cine europeo aporte una pequeña muestra en favor de la tolerancia especialmente enfocada hacia las grandes urbes europeas donde tanto se manifiesta la desigualdad y la incomprensión entre otros males.

Concursante (Por David)

El debut mas explosivo en el cine español desde que Tesis de Amenabar sorprendiera a propios/as y a extraños/as.

¿Como detectar con facilidad las condiciones de un maestro del séptimo arte?.
Respuesta: Rodrigo Cortés, un estudioso del cine, en técnica y narativa, pulcro director de escenas, abesado guionista, metódico y pefeccionista, con la fuerza de su juventud y de haber mirado al cine con ojos de sabedor consumado. Tirano, despótico, anarca, con increíble presición y claridad de conceptos cinéfilos, manejo y dirección de cámara impecable, estilo, referencista, clasisista, autodidacta, GENIO, genio de arte y ensayo, de la plástica y la estética, de la fotografía y el zoom.
Mulipremiado cortometrajista y critico especialista (vease La noche Sundance, ciclo de cine independiente en Neox, antena 3, en TDT).

Esta opera prima es todo un ejercicio de estilo, estilo libre y trepidante con referencias visuales de films de Guy Ritchie (Snach, Cerdos y Diamantes), la serie 24 o la filmografía de Paul Thomas Anderson y la troupe de videocliperos (Jonze, Gondry..) entre otros/as.

La película es un vaivén de emociones visuales y auditivas, planos de 360 grados, travelings imposibles, imagen monocorática en ocasiones, totalmente gris-ciudad por momentos, montaje formidable por lo atemporal, guión de fino humor negro en constante flashforward-flasback intenso y entendible (tiene mérito). Hay fotogramas en esta película realmente bellos, secuencias muy bien trabajadas plano a plano, en una historia que en si no dice nada, solo nos pone a refleccionar en algo que sabemos perfecta y resignadamente, pero eso si contado con sencillez, sin pretensiones filosóficas demasiado inconmprensibles, uno + uno, dos + dos...esa es la trampa, la misma que la de nuestro concursante que creyó que la vida era fácil, la misma vida en la que todos y todas estamos enbullidos

Me reservo para el final la basa fundamental sin el cual el film tal vez no hubiese caído tan bién a este humilde espectador, Leonardo Sbaraglia, es impresionante como crece paralelamente a la película, se desdibuja tal cuál lo requiere el personaje, se sumerge en el papel y a su vez el personaje lo consume poco a poco pasando de estado en estado de animo, regalándonos algunas instantáneas interpretativas magistrales. Los grandes actores o actrices suelen imponerse a los personajes por mas complejos que sean, cuando vemos a Jack Nicholson, difícilmente recordamos el nombre del papel que interpreta, rápidamente pensamos este es Jack, aquí Sbaraglia lo hace a la inversa, autoabsorviendose en Martin Sisco y consiguiendo con presición y maestría ejecutar las ordenes del realizador.

Es una verdadera pena que esta joya cinematográfica haya pasado inadvertida para los premios nacionales principalmente, pero no importa... siempre y cuando no me pises los zapatos de gamuza azul.

Concursante (Por Sonia)

Me ha sorprendido soberanamente la película, no esperaba encontrarme con una narración tan excitante, ni tan novedosa, y menos aún cuando estaba clasificada en la sección de comedia.

No creo que se trate de una comedia, y aunque hay gran parte de humor negro y atrevido, me parece que el concursante es un verdadero drama actual que refleja una trampa en la que hemos caído absolutamente todos y todas nosotros/as.

Al final de la película me he quedado un rato en mi sofá pensando en lo engañados que nos tiene este sistema capitalista en el que estamos inmersos, he estado recordando cómo los bancos y las financieras nos tienen atrapados con la falsa creencia de que somo afortunados por poder tener una casa, un coche, un viaje, un vestido nuevo a cada temporada,.....la trampa de poseer nos ahoga cada vez más haciéndonos auténticos esclavos del sistema con la mentira detrás de una portada en forma de un mundo feliz y lleno de cosas, cosas y personas y más cosas sin sentido.

El Atardecer (Por Sonia)

Hemos visto otra película de mujeres, otra peli en la que son las mujeres los motores de la historia y los motores de la vida en definitiva.

En El Atardecer, además del pequeño papel de Meryl Streep lo poco rescatable es la "moraleja" que se desprende de todo el argumento: en la vida no hay que lamentarse de los errores pasados sino vivir cada momento con todo lo que la vida te va ofreciendo.

Es una peli sencilla, con un mensaje simple y, no obstante, podría asegurar que se trata de un mensaje poco manido en los argumentos cinematográficos. Lo normal en el cine americano - que no en otros cines- es que nos muestren que lo mejor para ser feliz es perseguir el amor imposible, arriesgarlo todo, apasionarse y tener un final feliz con perdices y esas cosas, ...pues aquí nos presentan un final feliz, pero cotidiano, sin los revuelos amatorios a los que nos tiene acostumbrado hollywood, un final digno de cualquiera de los mortales que vivimos cada día intentando alegrarnos la vida con pequeñas cosas, con pequeños amores cotidianos.

El Atardecer (Por David)

En una película coral me encanta saborear de las grandes interpretaciones, especialmente de las actrices que consiguen transmitirte lo que quizá el film no logre e incluso distraerte de la propia historia, la fuerza dramática de Glenn Close acaba con todos los intentos del resto de protagonistas, a excepción de Toni Collete correctísima como de costumbre, a esta actriz su "fealdad" la condena a papeles que sus compañeras guapas-buenas actrices- ausies - (Blanchet, Kidman, Wats) rechazan.
Es indudable que si no fuera por el mas o menos buen hacer de sus protagonistas el film sería olvidable, ni su envolvente música, ni sus paisajes de postal a todo color, ni su guión bien estructurado aunque divaga y se repite salvan a una floja historia, por otro lado habitual en las adaptaciones de novelas melodramáticas, pues resulta complicado enlazar las páginas de la imaginación que invertimos en un libro para luego transformarlo en imagen y sonido.

Por otra parte es lamentable en su cartel promocional para videoalquiler, que destaquen que es una peli de Lajos Koltai el realizador de 24 horas. A mi entender sería mas acertado... Del autor de la inolvidable Las Horas. Michael Cunningham.

En el aspecto de la relaciones humanas plantea la importancia de la familia, de los hijos e hijas en particular, mantenerse unidos/as hasta el final, Rompiendo el molde básico agotado del romanticismo erótico que acaba con escapada hacia el amante de turno. Aquí las cosas son mas pragmáticas, nos dejan claro sin caer en la moralina que aveces las desiciones erróneas no son tan así, y que idealizar es riesgoso para nuestro futuro, el debate está en vivir el día como viene o asegurarnos un porvenir. Las dos posturas son igualmente válidas.
La sorpresa negativa la ofrece Julieta/Stardust Clare Danes, eterna joven aspirante que está a un nivel discreto y mas aún sorpresivo es encontrar a Patrick Wilson, uno de los actores que mas papeles recibe y que sigue tan inexpresivo como en todas sus películas (hasta cuando hará de misterioso caballero con torso desnudo?, vale que es guapo y entrenado, pero este personaje exigía un actor mas versátil).
Por lo demás la película cogea y adormece por su excesivo metraje (pensé que nunca diría esto), nos quedamos esperando mas giros argumentales, típico de las películas corales, y mas dramatismo, osea mas de Glenn Close, de la Redgrave y de Meryl Streep.

Amarcord (Por David)

Vi esta película hace tiempo pero no la comenté por razones que desconozco, quizá por su dificultad, o quizá por su grandeza, la verdad no lo se. Amarcord forma parte de esos clásicos universales indispensables para entender la mirada y personalidad de un director o directora de cine que se precie, sentida, escrita y dirigida con puro sentido autobiográfico, un estilo narrativo y visual único que resaltaría una palabra para siempre en los anales del séptimo arte: Fellinesco, un arte fellinesco ahora entendido en parte como freak, el arte puro y duro, personal, sucio, erótico-festivo de Federico Fellini, gran poeta de la verdad en imágenes, de esas mujeres gordas de redondeces inabarcables, tetas insuperables como actores y actrices de castings imposibles.
Fellini es el retratista de Italia, de Roma y de sus pueblos aledaños por antonomasia, fiel reflector de la cruda realidad pre y pos guerra mundial, con duce y sin el, con libertinos, putas, adolescentes infatigábles de hormanas desbordadas, hombres bestias, mujeres voluptuosas, ninfomanas, madres y abuelas de carácter sólido, trabajadoras del hogar, incansables aseadoras y aguantadoras de demencias familiares propias y extrañas, locos y locas de atar, padres y hombres de familia luchadores, machistas, trabajadores, politiqueros , deportólogos, holgazanes, chulos, galanes, Hombres y mujeres idealistas y por supuesto, fracasados de todo y soñadores, siempre soñadores.
Aún hay mas: Fellini es todo esto y mucho mas, autobiográfico hasta los tuétanos, mujeriego empedernido, picáro, satírico, mordaz, de un tipo de humor que refleja toda una generación y una sociedad romana con las secuelas de la guerra, pero el maestro le supo poner una sonrisa a la desgracia, un toque de romanticismo, una pisca de erotismo, un todo de frikismo y a modo de envoltorio un desopilante guión capaz de sumergirnos hasta lo mas profundo de la realidad miserable como pocas, sincera y desmedida, una realidad desmesurada acompañada de la melodía inconfundible de Nino Rota, este con su música celestial nos trasporta a un paseo onírico a veces fetichista, de miradas, de sabores, donde todos sus personajes se dibujan y desdibujan tal cual la época, Amarcord (yo me recuerdo), Una tragicomedia neorrealista a la italiana, irónica, esperpentica, costumbrista, todo una linea de cine con el sello inconfundible de Federico Fellini, un grande.

Scoop (Por David)

Aunque hay que entenderla como una comedia menor de Woody Allen, es un deber reconocer que el maestro sigue estando a la altura, tan fresco e irónico como de costumbre.
Innumerables gags autoparódicos como solo Woody es capaz de escribir, dirigir e interpretar, no hemos visto a ninguno de los últimos actores (alteregos) Will Ferell, Jason Brigs etc., que reunan minimamente la capacidad de imitar al genio de Manhatan. Monologueando autobiográficamente es su mejor actor y por ahora irreemplazable; pero de lo demás "cogea", está lento de reflejos y le cuesta la creación de los movimientos físicos habituales que requiere un guión de los suyos en donde siempre aparecen secuencias en exteriores.
No puedo ser objetivo, es mi favorito en el plano comedia, con todas sus paranoias y pesadillas personales, el mas ingenioso humorista desde Groucho Marx.
Scoop no es Math Point, la mejor película del año para mi, estrenada aquí en 2006 y la mejor de Allen desde Acordes y Desacuerdos pero es divertida, inteligente, fresca e irónica, todos los ingredientes para pasarse una buena tarde de risa.
A lo largo de la filmografía wodieallanesca han estado presente sus musas inspiradoras, de Diane Keaton a Mia Farrow y ahora Scarlett Johansson, una Scarlet que brilla con luz propia y que de a ratos se vuelve irresistible, ni el director se contiene, sacándole partido a su figura rotunda y embriagadora, "y es que la blonda sueca parece salirse de la blusa en cada secuencia", interpretando a la perfección el papel de astuta periodista que se hace pasar por torpe, un clásico en el devenir de las actrices preferidas del maestro.

Lilja 4-ever (Por David)

O Como dar ideas al diablo, el diablo de ojos azules y mirada amiga que parece meter la mano hasta el fondo de nuestras conciencias, diablo hojeador de jovenes reclutas, de bellezas robadas, sutil, bello y descarnado.
Hermosa interpretación de Oksana Akinsjina que traslada con mirada gélida y cuerpo aterrorizado la tortura, su tortura y la de muchas mujeres y niños de todo el mundo.

Las ideas de Lukas Moodysson parecen extraídas desde mismísimo averno, hacía tiempo que no me hundía en el sofá de mi casa, indignado, triste, rabioso muy rabioso, esta es una película que dista muchisimo de aquella joyita juvenil llamada Fucking Amal, quienes esperen la vida en rosa sueca se verán rápidamente puteados/as por esta cruda realidad demoníaca y perversa, ya en los primeros minutos la historia nos sacude ...esto es la Rusia mas gris, con sus mafias, con su vida, con sus gentes; victimas de los efectos debastadores de la globalización capitalista que descataloga sistemas políticos e ideologías como un relámpago haciendo añicos los sueños emigrantes de la gente pobre que ingenuamente o no aún piensan en un futuro mejor mas allá (y muy mas allá) de sus propias fronteras.
El realizador no pretende culpabilizar a los servicios sociales, ni a la bapuleada política económica tras la cortina de hierro rusa, tampoco exige un estilo denunciante tipo Ken Loach o Mike Leight, sino que inmediantemante nos pone en aviso de que todo esto podría pasar en un pais como cualquier otro, y podríamos ser victimas en otro lugar con mayor o menor libertad con democracia y sin ella, porque cuando eres victima de una maldición ya no tienes remedio, no te salvas y en el cielo te aguardan con infinita paciencia. (aqui destacar la influencia poético visual de Win Wenders y sus ángeles vigías-guías cuaxiterrenales).
Definitavamente es un film que produce un shock; hay algunas secuencias destripadoras, por ejemplificar: la llegada al piso y posterior entrada y portaso hacia el baño del maquivélico proxeneta.
En esta película las cartas están dadas vueltas desde el inicio, las identificamos sin paliativos, es fácil especular con la trama, creamos multitud de salidas, de escapatorias, de opciones, somos especialistas en planes de fuga, pero ya hemos pasado los 16, sabemos a que jugamos porque no estamos en el infierno.

Transamérica (Por David)

Pequeña y cautivadora road movie de escaso presupuesto, pero enorme y valiente en su mensaje; Siempre tolerante y respetuso, salpicado en momentos precisos de buen humor, porque no?. todo lo serio que puede haber detrás de una operación de cambio de sexo y aún mas importante ESTAR BIEN CON UNO/A MISMO/A. puede y debe ser tomado también con buen humor, ya que no es una tragedia es una salvación un camino hacia la felicidad, un deseo hecho realidad y que no está al alcanze de todos/as, que se necesita mucho amor y apoyo, tanto material como espiritual y afectivo. y es que en el plano afectivo es donde se complica la vida de la protagonista...

La película podría hablarnos solo del trayecto a recorrer por una persona en cualquier punto del mundo y de las visisitudes para conseguir ser aceptado/a por lo que uno/a siente y como se siente con respecto a la identidad sexual.

La aridés de la geografía, su luz y el optimismo impregnan al film de una colorido especial, consiguiendo que este se vuelva "comodo" para el ver y disfrutar, y es que hay veces que ciertos temas "incomódan al personal moralino". Desde este espacio admiramos a quienes apuestan por temáticas controvertidas, polémicas, y sobre todo tan humanas, naturales, nuestras.

Mención aparte merece la interpretación de Felicity Huffman de extraodrdinaria expresividad facial y corporal, se hace muy notoria su experiencia teatral, lástima que no se prodigue mas en pantalla grande, recordemos que es una de las actrices mas cotisadas y consolidadas de la tv (series). Impresionante la escena del posoperatorio en la que rompe a llorar de una manera que jamás había visto, sin trampas, sin romanticismos, no hay lágrima facil, es de verdad como esta película, como las salivas cayendo a borbotones por su boca. Esta escena me removió el alma, me la colocó en su sitio, donde debe estar, junto aL corazón y los sentimientos.

Sympathy For Lady Vengeance, (Por Sonia)

La trama de este film es a ratos escalofriante y tiene un hilo argumental que viaja entre lo subrealista y lo terriblemente terrenal, pero ya han pasdo varios días desde que vi la peli, y lo cierto es que la trama, el argumetno y la sinopsis casi se me ha borrado de la cabeza, dejando sólo el rastro de una serie de fotográmas espectaculares, llenos de luz, sobras, colores e imágenes profundamente poéticas.

Es extraño pero, es como si la historia contada, dejara de tener importancia para que cobren absoluto protagonismo la luz, la imagen y la poesía visual.
La cinta está llena de violencia, pero con el paso de los días, la imágines violentas se han disipado de mi retina y ...creo que es la primera vez que al recordar una película, no recuerdo la historia sino más bien siento que hubiera asistido a un espectáculo de danza.

Sympathy For Lady Vengeance (Por David)

Podríamos decir que Wagner ha creado música para todos los momentos de la vida, para vivir, para sufrir, para matar o morir y para Park Chan-wook.

Park Chan-wook. director noir/tarantiniano, de la escuela Koreana nos conmueve con una película llena de leves movimientos violentos y estilísticos, es increíble como se puede hacer de la violencia y la sangre arte y ensayo cual pintor al unísono.
Ya nos demostró con Old Boy que en sus venas corre magia visual y aqui como todo maestro repite obseción: El secuestro. Pero es el envoltorio de su obra lo oríginal, lo grandioso, lo truculento en continuo flashback y efectos digitales oníricos; quizá la redención como salida moral es la parte que no convence en este film, queremos de una vez por todas que lo inmoral también tenga lugar en el cine, en la ficción claro está. Lo que si es de agradecer es ese humor negro, negrísimo, los destacados planos secuencia y los títulos de credito antológicos que recuerdan al mejor Saul Bass (James Bond).

Su protagonista femenina de estupenda actuación a lo Kill Bill es cruel y despiadada, como una bailarina de la venganza a ritmo de la tortura interminable y con el oportuno aderezo musical wagneriano nos sumerge en una oda de locura nunca vista.

Ahora la violencia tiene lugar, ocupa lugar, no como violencia y nada mas, sino como obra maestra cinematográfica, incómoda a ratos, pero estéticamente deslumbrante, completa en recursos y llena de sentidos.

Cool (Por Sonia)

Cool es una película sobre una banda de jóvenes que, en un suburbio de una gran cuidad, inician sus primeros pinitos como delincuentes juveniles siguiendo los pasos y enseñanzas de sus "mayores". La banda es pillada y los chicos son internados en un centro de reforma....es ahí donde la trama intenta demostrarnos que la reincorporación de los jóvenes a una vida "normalizada" es posible gracias a la férrea disciplina seudo militar.

No sé si el director estaba ironizando o no, supongo que no, que realmente tenía la intensión de demostrar que los jóvenes pueden "portarse bien" aunque yo, en realidad lo que creo es que- de acuerdo con el comentario que más abajo hace David- en esta sociedad hay muchos mecanismos para conseguir que los individuos adapten sus vidas a lo socialmente establecido como normal y el centro de internamiento es uno de esos mecanismos de control social que la sociedad ha creado.

Según el sociólogo R. Castell en “La gestión de los riesgos sociales”, define que las “políticas sociales" son en el fondo destinadas a la inserción y se ocupan fundamentalmente de los "válidos" que han sido invalidados por la coyuntura. Las políticas han de encargándose sobre todo de ordenar las poblaciones con diferente "nivel de riesgo".

En la película observamos que efectivamente la institución de reforma se encarga de neutralizar la diversidad y el riesgo y asignar a cada jóven su lugar en la sociedad.

Stanley Cohen define el control social como “las formas organizadas en que la sociedad responde a comportamientos y a personas que contempla como desviados, problemáticos, preocupantes, amenazantes, molestos o indeseables de una u otra forma. Esta respuesta aparece de diversas formas: castigo, situación, tratamiento, prevención, segregación, justicia, resocialización, reforma, o defensa social y los encargados de gestionar ese control son conocidos como jueces, policías, trabajadores sociales, educadores sociales, psiquiatras, o psicólogos".

Pegoraro, por su parte, nos dice “Por lo tanto el concepto de control social también ha sido concebido como una estrategia de integración-cooptación pero también de corrección, de exclusión, de represión, de incapacitación, herramientas necesarias para la reproducción del orden social.”

El control social aparece con capacidad pacificadora de las relaciones sociales, el control siempre estuvo y estará ligado a las relaciones de fuerza existente en una sociedad y a la amenaza o el ejercicio de la violencia (directa o institucional) para hacer cumplir las leyes que emergen del propio orden social.

Cool (Por David)

Cool, o sobrevivir a la juventud. El ya irreversible Theo Van Gogh obeja negra del sistema holandes, criticado por tadas las esferas de su pais, asesinado por no callar ante la amenaza y la intolerancia pasa a la historia y se convierte en un mito como esos artistas que despues de muerto recobran vida para el gran público, Theo de todas maneras ya era gran cineasta con pocas producciones pero significativas y molestas, comprometidas, denunciantes, valorar o juzgar sus convicciones y creencias no haremos, solo nos vamos a limitar a contar su cine que en algunos caso como Cool resultan mas que estimulantes.

El rodaje de Cool igual que Interview (su obra maestra mas reconocida) se hace con tres cámaras digitales: una para los encuadres generales etc. y las otras dos para los protagonistas donde se establecen primeros planos etc., luego se montan las secuencias dándoles el ritmo trepidante tan característico del realizador, los interpretes principales son casi siempre parejas heterosexuales involucradas sentimentalemente, (se le ha criticado cierto aire homófogo en algunas escenas, la homosexualidad está omnipresente en culaquier película juvenil debemos aprender a repetar y dar una imágen simpre positiva de las opciones sexuales de cada uno/una), pero como comenté mas arriba no vamos a valorar circunstancias ajenas al film, ¿DE VERDAD SE PUEDEN OCULTAR SENTIMIENTOS, PRINCIPIOS, IDIOLOGIAS Y FORMAS DE PENSAMIENTO CUANDO CREAS ARTE? yo creo que no.

Cool es hiphop, es protesta dosmiliana, pero sobre todo es protesta social antisitema, el mensaje ambiguo se ve claro para quién posea la capacidad de dudar de los vances del sistema(sisterna) macroeuropeo encarrilador de jovenes inaceptables e inoperantes para el funcionamiento del capitalismo, el director nos introduce en el mundo de los reformatorios juveniles y vemos como aplican la vieja disciplina militar/psicológica-humillante para hacerte perder el poco espacio de rebeldía, no te dan alternativas, no te dejan SER, debes caminar con el sistema, absorto, quieto y así el sistema te dará el movimiento, la energía pero a su medida y sin salirte fuera, habrá quién nose de cuenta de esto o que se conforme, sinceramente yo creo en los y las que se rebelan contra la maquinaria, igualmente la película intenta persuadirnos con sutilezas y mensajes morales, como los del final, ese final que todos y todas queremos ver, el que manda a cada uno/a a sus puestos, ese es el que la sociedad quiere ver, el único válido y no hay mas oportunidades. Ser roquero/a, rapero/a, okupa, gótico/a, objetor/a, marica, bollera, apolítico/a, satánico/a, ateo/a, etc, etc, está mal visto, es inútil, inservible.

La Ciencia del Sueño (Por David)

El amo europeo del videoclic Michel Gondry escatima esfuerzos textuales que no visuales, ahí si acierta en la diana describiendo con gran maestría ese mundo físicoquímico y algo mas, llamado sueño. Lo cierto es que la película se va desdibujando y tornandose simplista (no es una critica negativa), desde este espacio alabamos las historias simples, también denominadas "historias mínimas" por ese genio de a pie llamado Carlos Sorín.
La carencia de un guión sólido (aquí la critica) transforma el film en un juego romántico de parejas con los tópicos de siempre: encuento/desencuentro, conviertiendola en una obra menor si la comparamos con la magnífica Olvídate de mi (Oscar, mejor guión original dirigida y coescrita por Gondry), pese a todo esto las buenas interpretaciones de dos de las promesas del cine actual Gael García Bernal y Charlotte Gainsbourg hacen que nuestro REM sea lo mas agradable posible, sin perder un ápice de intensidad.
El estilo que marca Gondry lo podemos enparejar al de otros genios jóvenes como: Spike Jonze, Wes Anserson y el gran guionista Charlie Kaufman creador de las joyas Como ser John Malkovich y El ladrón de Orquideas, poseedores de un tacto divino para la imágen en movimiento, sea esta onírica, transgresora, masturbatoria o patética. Pero fundamentalmente son contadores de historias pequeñas, absurdas, tiernas, conmovedoras y extrañas e inconmprensibles pero bellas por la manera que son contadas y rodadas.

El Declive del Imperio Americano (Por David)

Es curioso escribir de una película cuando has visto la segunda parte años antes, es como viajar al futuro conociendo el pasado.
Paradojas aparte. El Declive del Imperio Americano es pura sociología, un grupo de burqueses celebrando su "buena vida" y criticando a los no intelectuales o los no libertinos/as. Denys Arcand sitúa a sus personajes en una preciosa zona residencial de Montreal (Canadá), encantador lugar para desarrollar teorías del individuo, el comunismo, el capitalismo y bla, bla, bla. Los otrora jovenes de la generación del 68 (intelectuales, revolucionarios y liberales sexuales) resuelven todos nuestras dudas existenciales en esta pelicula a base de sexo y bervorragia fundamentando acertadamente o no, su critica a la sociedad de clases.

Diesiseis años después vendría Las Invasiones Barbaras que conseguiría el Oscar a la mejos peli extranjera y reuniendo a los mismos actores y actrices en torno a uno de ellos en estado agonizante para recordar viejos tiempos vividos con melancolía y sarcasmo.

Volviendo al film que nos toca evocar, decir que esta producción a obtenido varios premios de crítica e interpretación y dirección elevando a su realizador Denys Arcand al reconocimiento internacional pese a su critica feroz al Imperio. ¿Americano?

Nueve Vidas (Por David)

Rodrigo García es uno de esos realizadores poco proliferos, que se prodigan mas bién poco y que forman parte del selecto club de directores y directoras de culto como Jodorosky, Darren Aranosky, Jane Campion, entre otros/as. Autores/as. Con un sello personal definitivo y que parecen no necesitar de la fama y popularidad de la mayoría de los y las mortales.

Estamos ante un director/escritor de cine de una sensibilidad especial para plasmar en imágenes el mundo de la mujer (los genes de su padre (Gabriel García Marquez), gran conocedor del universo femenino tendran que ver?).

En Cosas que diría con solo Mirarla ya demostraba con sapiencia sus dotes para el guion y la dirección de camara, en Nueve vidas sencillamente se consagra con planos -secuencia -encuadres imposibles, sin cortes, y con la stydicam (camara al hombro fija) a todo gas.

Un dato: el rodaje duró 17 dias, se hicieron innumerables secuencias de las cuales solo se quedaron las mejores porque como dice el realizador ninguna toma es perfecta.

En esa película eligió nueve momentos partícula de la vida de nueve mujeres. presidio, embarazo, muerte, cirujía, suicidio, vejez... Transcurren solo 10 minutos entre episodio y episodio, no sabemos el porque, ni para que, no conocemos las vidas del principio ni las del final, solo aparecemos de golpe como observadores/as en el centro de una escena de la vida cotidiana, nos queda solo la intuición junto a nuestras propias conclusiones, no tenemos datos, ni antes ni despues. ¿Acaso no es así la vida?, sinceramente es la aproximación mas precisa que puede dar el cine a la vida.

Rodrigo García utiliza la forma de rodar que Robert Altman acuñó como Vidas Cruzadas, la cual consiste en rodar con reparto coral y personajes inconexos, pero que al final acaban relacionandose.

Este estilo narrativo y visual consiguió que actrices como Holly Hunter, Glen Close o Robin Writh Pen se interesaran por trabajar con el.

Excelente director de dramas cotidianos, intimistas, humanos, sobrecogedores...estamos ante un fantástico director de "mujeres actrices".

El Declive del Imperio Americano (Por Sonia)

Esta película está ambientada en los años 80, un grupo de parejas intelectuales (profesores de universidad) se cuentan (hombres y mujeres por separado) sus experiencias sexuales, y ambas conversaciones van ilustrando la teoría del declive del imperio que ha elaborado una de las profesoras.
La teoría se basa en que la familia y el matrimonio no es más que un núcleo de interés económico que fundamenta la sociedad capitalista, es una unidad de consumo y una unidad de satisfacción de necesidades básicas que nunca van a poder ser satisfechas por el Estado, por lo que el declive de la familia es al mismo tiempo el declive del "imperio".
La alegoría que se muestra en la película es que el matrimonio está en crisis por la búsqueda del placer y la felicidad individual y por tanto por la infidelidad constante en la que se mueven los matrimonios.
En los años 80 y mucho antes hablaban y escribian sobre estoas teorias algunos sociologos, como Castel que nos desvela el advenimietno del indiviualismo negativo.

La pelicula es entretenida, con algunos momentos bastante divertidos y bastante fácil de ver.

Nueve Vidas (Por Sonia)

Nueve vidas es un peli sencilla pero profunda que recorre nueve relatos cotidianos de nueve mujeres que viven, sufren, recuerdan, sueñan, aman ....son nueve historias sin maquillaje, sin héroes, sin matanzas ni hechizos, simplemente nueve mujeres a las que pareciera que en un momento cualquiera y elegido al azar en su vida, les colocaran una cámara delante y siguieran viviendo delante de la cámara y sin embargo van desvelando una auténtica historia profunda y desgarradora detrás de cada una de ellas.

Manderlay (Por David)

Si Dogville versaba acerca del individualismo/egoismo, en Manderlay nos habla de la comunidad y sus "bondades".

Esto es el dogma-teatro cinematogo al servicio del acrata Lars Von Trier, exigene, mordaz, quemó a Biork y a Nicole Kidman, ¿le tocará el turno a la joven Brice Dallas Howar? se puede comentar mucho y bien de este inventor-reinventor...pero solo me voy a quedar con una frase que evidencia su sorna autoritaria. Un critico le comento que porque se animaba a "atacar" a EEUU con esta trilogia si ni siquiera había estado nunca alli, que conocimientos podía tener acerca de la forma de ser de un americano, a lo que contestó... podría usted decirme como es que Hollywood hace peliculas sobre marte si nunca estuvo nadie alli.

Manderlay (Por Sonia)

Que Manderlay es una obra de arte no lo diré yo, que apenas me adentro en el mundo del cine, y la genialidad con la que Lars (el dire) maneja las imágenes se lo dejaré para el comentario de David, lo que si me atrevo a decir es que es un metáfora perfecta de la construcción del "Estado de Bienestar" la película es sociología pura, pero contada de manera poética, son interminables las refexiones que se pueden sacar de la película, habria que verla con boli en mano para ir anotando cada una de las metafóras y criticas que hace, no solo a sociedad americana, sino a todos nosotros. Se mete de lleno en la idea de LIBERTAD pero va más allá, nos lleva sutilmente de la mano para hacernos ver la hipocresía de un Estado que decide por nosotros lo que es y lo que no es bueno para nosotros mismos, nos refleja la contradicción de una democracia impuesta a la fuerza y nos desvela las miserias "psicológicas" del imperialismo y sobre todo nos hace sentir que siempre vamos a ser esclavos de un amo: el dinero, del deseo, la tierra, el estado, ...

Para quienes no han visto Manderlay, les recomiendo encarecidamente que no tarden en verla, es rompedora, es poética es actual y seguirá siendolo -desgraciadamente- aunque esté ambientada en la época de la esclavitud negra americana.

Repulsión (Por David)

La mente de Roman Polanski...ese genio loco, surrealista, esquisofrenico, claustrofovico...

todas las claves del maestro se resúmen en este film, el primero de la trilogía del "encierro en el piso", luego vendrían El Quimérico Inquilino y la majestuosa obra de culto Rosmary Baby.

En Repulsión vemos homenajes a otros grandes que inspiraron a Polanski. Particularmente en esta película, El Perro Andaluz de Buñuel (la escena del ojo), el voyeurismo repetido de Hitchkok, y el cine negro en general, además mas tarde veríamos a David Lynch y sus mundos paralelos inconprendidos desmentados-descerebrados.

La Deneuve interpreta a una semiautista, agresiva y esquisoide, fría y sensual, es imposible no enamorarse de la imágen que muestra al comienzo de la película, pero luego involuciona hasta la locura final, donde campandas, timbres, y ruidos de todo tipo destrozan su mente frágil y solitaria. Para mi todo esto es pura autobiagrafía. Lo que vemos está en la cabeza del director, a estado siempre ahi y nunca a salido, todo ese sufrimiento y sexopatía. Es su mente la retorcida perturbada y genial.

Una de las pistas que nos da es "la pescadilla que se muerde la cola" sus films empiezan y terminan en la misma imágen o similar, en este caso el ojo de la Catherine Deneuve.

La confusión y el odio a los hombres es talvez una venganza contra la sociedad? .

Mas adelante en sus siguientes producciones tendríamos referencias claras de su supuesta homosexualidad y deseo irrefrenable y/o enfermizo por las mujeres (La Danza de los Vampiros, Lunas de Hiel)

La tortuosa vida del genio polaco empezó en los campos de concentración nazi, continuó con la muerte de Sharon Tate y terminó con la huida de Estados Unidos por la acusación de abuso de menores.

Los genios, genios son.